ジョン・ブレット《ドーセットシャーの崖から見るイギリス海峡》1871年 Photo: Tate　大阪中之島美術館は、大阪に関わりのある近現代美術をはじめ、日本と海外の近現代美術およびデザイン作品を数多く取り扱う美術館です。今回は主任学芸員の國井綾さんに、開催中の「テート美術館展　光　― ターナー、印象派から現代へ」の見どころや、大阪中之島美術館で行われているイベントなどについてお話を伺いました。

――テート美術館展では、テート美術館に収蔵されている古今東西のさまざまな作品を見ることができます。絵画彫刻だけでなく、インスタレーション作品なども鑑賞できる展覧会ですが、展示のテーマや特徴について教えてください。

國井：本展覧会は「光」をテーマとしています。18世紀末から現代まで、約200年の間にアーティストたちが光をどのように描き、扱ってきたのか。テート美術館のおよそ77,000点におよぶ充実したコレクションから、絵画、版画、写真、彫刻、インスタレーションなど多様な形態の作品約120点でご紹介しています。
　ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー、ジョン・コンスタブルなどの英国近代美術史を代表する画家から、クロード・モネら印象派、ラファエル前派、バウハウス、そしてジェームズ・タレルやオラファー・エリアソンなどの現代美術家まで幅広く出品しています。アーティストによって光の扱いは実に様々。約200年の間に光をめぐる表現がどのように変遷してきたのかをめぐる展覧会です。

――教科書ではクロード・モネの《積みわら　夏の終わり　朝の効果》や、《明るい日光の中の積みわら》を通して、光源の方向や光の色の変化について紹介しています。テート展でもモネの《エプト川のポプラ並木》を公開しています。テート展では《エプト川のポプラ並木》をどのように紹介していますか？作品の魅力と共に教えてください。

國井：モネは光の効果をとらえるために、異なる光の条件下で同じ主題を何度も描いています。《エプト川のポプラ並木》はエプト川に沿って並ぶ木々の列を描いた23点から成るシリーズのうちのひとつで、描き続けるために、モネはこれらの木々の伐採を自ら費用を負担して阻止したといわれています。素早い筆致で、明るい光の下に照らされた生命感あふれるポプラ並木が描き出されています。

――大阪中之島美術館では、展覧会に応じて様々な市民参加型イベントを行っています。特に力を入れて行っているイベントがあれば教えてください。

國井：私たちのまわりにある様々な「光」について、科学とアートの二つの視点から学び、楽しむ「大阪市立科学館×大阪中之島美術館 　『光』を見る・知る・感じるツアー」を開催しました。大阪市立科学館と大阪中之島美術館、双方の学芸員が講師をつとめ、サイエンスショーとギャラリーツアーを実施しました。
　大阪市立科学館と大阪中之島美術館は、いずれも地方独立行政法人大阪市博物館機構に属するミュージアムです。お向かいに位置することから日ごろから様々な事業でコラボレーションしています。今回の展覧会は「光」をテーマとしていることから、美術的な視点からのアプローチだけでなく、科学的なアプローチが可能ということで、今回のコラボレーションにつながりました。

十和田市現代美術館　十和田市現代美術館では、教科書に掲載している塩田千春やロン・ミュエクなど、現代で活躍する作家の作品を数多く展示しています。
　今回はエデュケーターの青山真樹さんに、十和田市現代美術館における展示の工夫や、作品の魅力、そして学生を対象にした教育普及活動についてお話を伺いました。

――教科書では塩田千春の《掌の鍵》や《集積―目的地を求めて 2014-2019》を掲載しています。塩田は糸や鍵、鞄など身の回りものを用いて制作を行っています。十和田市現代美術館で公開している《水の記憶》ではどのような特徴が見られますか？作品の見どころと共に教えてください。

青山：この作品は、赤い糸と船という、塩田千春の作品においてしばしば登場する2つの要素で構成されています。
　何層にも重なり編まれた糸は、頭上を埋めつくし壁面にまで広がっています。展示室がコンパクトな空間だからこそ、部屋の中に足を踏み入れると、まるで繭に包み込まれているかのような感覚を覚えます。しかし、複雑に絡み合う糸は、どこかに焦点を合わせようとすれば、それ以外はぼやけてしまい、一本一本を目で捉えきることはできません。
　部屋の中央には、その糸に繋がれた一艘の古びた木船が置かれています。この船は、過去に十和田湖にあったものです。塩田にとって「未知の場所へ導くと同時に、危険もつきまとう、“死” と隣り合わせの存在」だと言う船。その表面の至るところには、小さな傷やひび割れ、塗料の剥がれなどが見られ、その一つ一つに、船に起こった過去の出来事が刻まれているようです。
　「誰がどんな風に使っていたのだろう？」
　「この船は、どこでどんな経験をしてきたのだろう？」
　船のありし日の姿や、関わってきた人の存在に思いを馳せてみると、場所やものに宿る数多くの記憶や重ねられた時間があるということに気がつくのではないでしょうか。糸の状態を示すさまざまな表現―張り詰めたり、緩んだり、結んだり、切れたり、もつれたり―には、人や物の「関わり」を連想させるものが多くあります。編み込まれた無数の赤い糸は、この船にまつわる、そんな目には見えない無数のつながりを表しているのかもしれません。

――教科書は、様々な作品を見ることや学ぶことで、新たな物の見方や考え方を知るきっかけに繋がることを大切にしています。十和田市現代美術館では、教科書でも取り上げている塩田千春や、ロン・ミュエクの作品など多くの作品を常設展示しています。作品の魅力を鑑賞者に伝えるために、特に意識して行っていることを教えてください。

青山：当館の大きなテーマは、「体験型」であること。作品を目の前にした時の、来館者の体験こそを大切にしたいと考えています。そのため、キャプションや館内リーフレット、音声ガイドなど、来館者が初期にアクセスするツールにおいては、情報や知識を過度に提供しすぎてしまわないように留意しています。それは来館者が、情報を読むことによって作品を「みたつもり」になってしまうことを避けるためです。それよりも、その人自身が作品から何を受け取り、どのようなことを感じ考えたのか―そこから鑑賞の一歩が踏み出されることこそが、重要だと考えています。
　「作品のよさ」や「魅力」といったものに、固定の答えがあるわけではありませんので、こちらから「伝える」のではなく、みる人それぞれに「考えてもらう」ためのきっかけをつくるという意識で各種ツールやプログラムを設計しています。

――教科書では、美術館に行くことを掲載したり、美術に関する仕事を取り上げたりするなど、学校外での美術との繋がりも紹介しています。十和田市現代美術館では学生を対象に、どのような教育普及活動を行っていますか？

青山：高校生向けには、美術館スタッフが学校に出向く出張授業のほか、団体観覧の受け入れ時には、学校の要望に応じオリエンテーションやグループ鑑賞などを組み合わせた対応を行なっています。また、10代の若者を対象としたユース・プログラムとして、「鑑賞」と「表現」を組み合わせ、作品世界をより深く体験するワークショップや、中高生とアーティストが出会い、ひとつのテーマのもとで共に考え・つくり・まなびあうプログラムなどを企画、実施しています。

――教科書では、作品を展示することの意義や、美術館を構成するデザインなど、展覧会や美術館に関する内容を取り扱っています。デイヴィッド・ホックニー展は、国内27年ぶりの大型個展で、約120点の作品を取り扱っていますが、この展覧会をつくる上で工夫したところや、ポイントを教えてください。

楠本：デイヴィッド・ホックニー（1937年、英国ブラッドフォード生まれ）は名実ともに現代を代表する画家と称されています。今回の展覧会では、1960年代の英国・ロンドンや米国・ロサンゼルスで制作された代表作から、近年の英国・イースト・ヨークシャーやフランス・ノルマンディーで制作された風景画まで、60年以上にわたる画業を網羅的にご紹介しています。

　東京都現代美術館は「現代・同時代（Contemporary）」、言い換えると「今」という時代と関わりのある芸術作品と出会える場所です。本展覧会も現存作家の個展のため、ホックニーが「今現在、世界をどのように見て、どのように描いているのか」をご紹介することによって、作家と同じ時代を生きる私たちひとりひとりが目の前にある世界を見つめ直す機会となることを願っています。

デイヴィッド・ホックニー　《春の到来 イースト・ヨークシャー、ウォルドゲート 2011年》2011年　ポンピドゥー・センター　© David Hockney Photo: Richard Schmidt

――「高校生の美術１」では、ホックニーが1970年に発表した静物画《ピーマンと3本の色鉛筆》や、1982年に写真を組み合わせて制作した、《ぼくの母、ボルトン修道院、ヨークシャー、1982年11月#2》といった作品を掲載しています。ホックニーは絵画や写真などを用いて様々な表現を行っていますが、今回の展示におけるホックニーの作品の特徴や、見どころを教えてください。

楠本：今回の展覧会では、油彩画、版画、写真、iPad作品など、さまざまな技法や表現で描かれたホックニーの作品をご紹介しています。《ぼくの母、ボルトン修道院、ヨークシャー、1982年11月#2》と同じ「フォト・コラージュ」と呼ばれる100枚以上の写真を貼り合わせた作品《龍安寺の石庭を歩く 1983年2月、京都》（1983年　東京都現代美術館）が展示されています。また、本展の見どころは近年制作された幅90メートルにもなる風景画《ノルマンディーの12か月》（2020-21年　作家蔵）です。

デイヴィッド・ホックニー　《龍安寺の石庭を歩く 1983年2月、京都》1983年　東京都現代美術館　© David Hockney　Photo: Richard Schmidt

――学校現場では、ICTを用いた活動が急速に増えてきています。ホックニーも2010年からiPadを用いて制作を始めたとのことですが、制作の背景や、鑑賞のポイントなどを教えてください。

楠本：ホックニーは「絵画」という歴史と伝統がある分野で仕事をするなかで、「どうすればこれまでにない絵を描くことができるか」ということを長年考え続け、さまざまな探求を重ねてきました。そのため、2010年に発売されたiPadをすぐに入手し、絵を描きはじめるということは、作家にとって自然な流れでした。ホックニーはiPadを戸外に持ち出して、多数の風景画を制作しました。本展覧会では大きなサイズの作品が展示されているため、iPad特有の生き生きとした色彩や筆跡をじっくりと細部までご鑑賞いただけます。

デイヴィッド・ホックニー　《ノルマンディーの12か月》（部分）2020-21年　作家蔵　© David Hockney